Die 50 besten Rhythmusgitarristen aller Zeiten

May 20, 2023

Wie Sie gewählt haben, sind hier die Spieler, die nicht unbedingt 16 Takte und ein Spotlight-Solo benötigen, um ihre Größe zu bestätigen

Hier sind wir, Leute, mit demokratischer Zustimmung und der Macht der Volksabstimmung präsentieren wir Ihnen die 50 besten Rhythmusgitarristen der Welt … aller Zeiten.

Und es bereitet uns große Freude, dies zu tun, nicht zuletzt, weil alle nennenswerten Auslassungen zu Ihren Lasten gehen. Das ist richtig, denn bei Listen wie diesen wird der Lieblingsspieler eines Menschen – der Gitarrist, der sein Leben verändert hat – immer von der Liste gestrichen.

Wer hätte es sonst vielleicht auf diese Shortlist geschafft? Leo Nocentelli? Wir könnten ein starkes Argument für den Meister des Funk der Meters liefern. Vielleicht sahen die Leute ihn als Hauptdarsteller. Vielleicht war das auch bei Eddie Hazel der Fall.

Sicherlich haben viele der Spieler auf dieser Liste bedeutende Beiträge zum Lead- und Rhythmusspiel geleistet oder sogar die Grenze zwischen beiden verwischt. Dick Dale ist ein weiterer Spieler, für den wir uns einsetzen könnten, ebenso wie Scotty Moore und der Vater von Boom-Chicka-Boom, Luther Perkins.

Und wir könnten den Stammbaum des Rockabilly durchgehen, bis wir bei Poison Ivy ankommen, der es für Horrorfreaks umgestaltet hat, und Brian Setzer, der dabei geholfen hat, Rockabilly bis weit in die iPhone-Ära hinein aufrechtzuerhalten.

Wenn man sich die Kategorie der Rhythmusgitarre ansieht und wozu sie da ist, den Song vorantreibt, ihm Leben verleiht, wird es immer eine breite Kirche geben, und hier haben wir Spieler aus allen Bereichen des Gitarrenspiels. Es gibt akustische Folk-Singer-Songwriter, Punks, Metal-Spieler, Hardrocker, Blues-Cats und mehr.

Das ist Demokratie in Aktion, und es erinnert uns daran, uns nicht zu sehr darauf einzulassen, wer nicht auf der Liste steht. Es geht nur darum, die ersten drei Plätze richtig zu machen, und niemand kann mit unserem Podium streiten … Sicherlich.

Carmen Vandenbergs Spiel tendiert in Richtung Pyrotechnik, wenn der Anlass es erfordert, Leads auf einem Oktav-Fuzz zu zerreißen. Aber sie wurde mit dem Blues und den Grundbausteinen der Rockgitarre vertraut gemacht, und ob in Begleitung des Erzgitarristen Jeff Beck oder bei Bones UK, sie findet in einem Song oder einer Jam immer den Raum, um eine elektrische Energie einzubringen ihr gewähltes Medium, die Fender Telecaster und das Riff.

Bob Marley ist ein berühmter Songwriter, dessen kultureller Fußabdruck weit über seine Fähigkeiten als Rhythmusgitarrist hinausgeht. Aber täuschen Sie sich nicht: Sie waren entscheidend.

Die unkonventionellen Akkordstiche, Einzelnotenläufe im Gleichklang mit der Basslinie und als Percussion wiedergegebene Akkorde trugen dazu bei, die Grammatik und den Stil der Reggae-Rhythmusgitarre populär zu machen und zu etablieren, und sie ließen sich sowohl auf die akustische als auch auf die elektrische Gitarre übertragen. Wie auch immer, die Gitarre bewegte sich in seinem Rhythmus. Mit der Zeit würde es auch die Welt tun.

Die Gitarre allein reichte nicht aus, um John Lee Hookers ungeheuren Appetit auf Rhythmus zu zügeln. Der Beat ging von Kopf bis Fuß durch ihn hindurch und ergänzte seine bahnbrechenden Elektro-Blues-Aufnahmen mit einem rhythmischen Stampfen, das ihm Schwung verlieh.

Mittlerweile ist die Bluesgitarre so weiterentwickelt, dass sie manchmal durch das Solo verloren geht – das instinktive Mittel, um zu wissen, welche Phrase am besten funktioniert, wenn man sie über einem A-Akkord, Vibrato, Bendings und den verschiedenen Drumherums der Leadgitarre spielt. Aber hören Sie sich Boogie Chillin', Boom Boom und Down South Blues an, und es bringt die Kunstform zurück zum Anfang, zu den Wurzeln, aus denen die Rock-Rhythmusgitarre entstehen würde.

Joan Jett ist einer dieser seltenen Musiker, deren aufgenommene Werke immer wie auf 10 klingen, egal, was die Regler an der HiFi-Anlage sagen. Mit den wilden Melodien der Runaways und später dem Wurlitzer-Gold der Blackhearts war Jett maßgeblich daran beteiligt, die gläserne Decke des Rock mit einem Sound zu durchbrechen, der nicht eingedämmt werden konnte und wollte.

Es war ein Hurrikan der Kategorie 5, der von einem Music Man HD-130 2x12 hereinblies, und jeder Akkord aus ihrem Gibson Melody Maker schüttelte einem die Zähne aus dem Kopf. Aber die Hooks waren die ganze Zeit über da, die Melodien voller Trotz und fieberhafter Energie zu Beginn des Sommers.

Die Physiologie von Billie Joe Armstrong hat etwas Pneumatisches, sein rechter Arm hat etwas Mechanisches, und es hat dazu beigetragen, dass Green Days Goofball-Raserei an die Spitze der Charts gelangte und Punk aus dem Club ins Stadion brachte.

Natürlich können wir uns ein anderes Forum suchen, um uns mit seinem makellosen Gesangshandwerk zu befassen, aber als Gitarrist, der die akkumulierende Magie einer stetigen Flut von Powerchords und Achtelnoten versteht und so eine Welle aufbaut, auf der Melodien surfen können, gibt es kaum ein besseres.

Der verstorbene Jeff Hanneman, der Meister des Makabren der Big Four und das Ass im Ärmel der Slayer, war einer der wildesten und künstlerisch erfolgreichsten Gitarrenpartner im Heavy Metal.

Ein Musikstück zu schreiben, das bei 202 BPM sowohl einprägsam als auch böse ist, ist keine leichte Aufgabe, aber das war Hannemans Gabe, Titel wie „Angel of Death“ und „War Ensemble“ seine Visitenkarte.

Er hatte einen Hauch von Wes Craven oder John Carpenter an sich, in der Art und Weise, wie Tracks wie „South of Heaven“ und „Dead Skin Mask“ einem den Rücken beruhigen konnten, Audio-Horror für die Morbiden, die Kassen-Thrash Metal ohne Sicherheit bevorzugen.

Es gibt, wenn überhaupt, nur wenige Spieler, die die Akustikgitarre in die Hand genommen und offene Stimmungen so kreativ und effektiv als Werkzeug zum Songwriting eingesetzt haben. Es war, als hätte Joni Mitchell das Instrument auf Hochtouren gebracht und Nuancen und komplementäre Kadenzen gefunden, die ihr zusätzliche Farben zum Spielen gaben. Und immer die Richtigen.

Diese Stimme, dieses Songwriting haben nichts Geringeres verdient. Auf Tracks wie „Little Green“ verwendet sie Fingerstyle und fügt Melodie und Rhythmus feinfühlig zusammen, auf anderen wie „Both Sides Now“ findet sie eine Tasche Melodie, ein perkussives Krächzen, und der Sound ist magisch.

John William Cummings, alias Johnny Ramone, der Vordenker eines Doo-Wop-Speedball-Punk-Sounds, der genug Dampf gewann, um eine gegenkulturelle Bewegung voranzutreiben, die die Popkultur veränderte, war der Inbegriff des Rhythmusgitarristen. Es waren keine Leads erforderlich, um die unerbittliche Salve kandierter, bittersüßer Hymnen des Forest Hills-Quartetts zu ergänzen.

Die Ramones waren ein Triumph des Chaos und der Ordnung – Anarchie mit einer Kleiderordnung, auch einem Haarschnitt – und spielten mit einer Hingabe, die in gleicher Weise durch Ramones vollblütige, aber rhythmisch ehrliche Abwärtsbewegungen, die Powerchords und erstickte Barre-Akkorde über die Decke schickten, in gleicher Weise erreicht wurde. gestartet von einer Mosrite Ventures II aus dem Jahr 1965.

Es gibt einen Grund, warum Martin Scorsese oft zu seinen Bo-Diddley-Platten greift, wenn es darum geht, den Film zu vertonen. Das bewegte Bild, der Schnitt – das sind alles Kunstformen, die vom Rhythmus bestimmt werden, und Bo Diddley, einer der ganz Großen des Rock'n'Roll aller Zeiten, war davon durchdrungen.

Er hatte seinen eigenen Rhythmus: den Bo Diddley-Beat, der einen Clave-Hambone-Rhythmus aufnahm und ihn elektrisierte. Auf seinen Platten hat alles gegroovt. Und wie seine Kollegen – die Little Richards und Chuck Berrys dieser Welt – hatte er eine dreidimensionale Ausstrahlung, die aus dem Lautsprecherkegel strömte. Seine Gitarren hatten oft quadratische Kanten, aber an ihm war nichts Quadratisches.

Joe Perry und Steven Tyler stehlen zwar den Löwenanteil des Rampenlichts, wenn Aerosmith die Bühne betritt, aber der Erfolg der Bostoner Rockinstitution basierte auf der Erkenntnis, dass Rock 'n' Roll ein Mannschaftssport ist.

Indem Brad Whitford einfallsreiche, vernünftige und gerade genug Möglichkeiten findet, Perry an der Spitze zu ergänzen, indem er die Autorität des Snare-Drum-Schlags und die Souveränität des Grooves anerkennt, stellt er sicher, dass niemand den Ball bei einem Aerosmith-Jam fallen lässt.

Sein Studiogeist ist legendär. Er ist von den Beatles und der britischen Invasion im Allgemeinen entwöhnt und verfügt über ein melodisches Gespür, das auf einem soliden Blues-Vokabular aufbaut.

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Jonathan Horsley schreibt seit 2005 über Gitarren, spielt sie seit 1990 und schreibt regelmäßig Beiträge für Publikationen wie Guitar World, MusicRadar und Total Guitar. Er verwendet Jazz-III-Nylon-Picks, 10er unter der Woche, 9er am Wochenende und hat beschämenderweise immer noch Probleme mit der Rhythmusfigur eins von Van Halens Panama.

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